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華格納歌劇《崔斯坦與伊索德》（Tristan und Isolde）是西方音樂史上最具革命性的作品之一，它不只改變了歌劇的語言，也讓「渴望」第一次如此直接而深刻地成為音樂本身。2026年9月，臺北市立交響樂團（TSO）將由首席指揮里柏瑞契（Alexander Liebreich）攜手TSO與德國導演克里斯蒂安・雷特（Christian Räth），於臺北表演藝術中心大劇院呈現這部華格納晚期鉅作，帶領觀眾走進一場關於愛、渴望、生命與死亡的心靈旅程。

「這《崔斯坦》會是個可怕的東西！」華格納親口說出作品的重量

《崔斯坦與伊索德》長久以來被視為一部「會吃掉歌手」的作品，漫長的篇幅、極高的聲樂負荷，以及幾乎不斷延續的音樂線條，不僅考驗歌手的聲音，更考驗其體力、意志與情感投入，這樣的「可怕」，華格納自己最清楚。

在創作完成第二幕時，他聲稱這是自己「到目前為止的藝術尖峰」；然而面對逐漸完成的第三幕，他卻又感嘆：「孩子！這《崔斯坦》會是個可怕的東西！」

多才多藝的華格納，親手操刀《崔斯坦與伊索德》的劇本與音樂，他將對已婚的瑪蒂德愛而不得無法公開的地下戀情與痛苦，投射於藝術創作，最終催生出《崔斯坦與伊索德》。

一部改變歌劇史的作品，讓「渴望」成為音樂

《崔斯坦與伊索德》1865年6月10日於慕尼黑國家劇院首演，由畢羅（Hans von Bülow）指揮，這座位於慕尼黑的劇院，也正是首席指揮里柏瑞契的出生地，使這部作品與他產生了格外深刻的連結。

作品最著名的音樂語彙之一，是後世所稱的「崔斯坦和弦」，華格納以不斷延宕、無法真正獲得解決的和聲，將「渴望」本身寫進音樂之中；旋律彷彿永遠向前尋找，卻又始終無法抵達終點，這種「等待解答」的音樂語言，不僅改變了19世紀的歌劇，也深刻影響後來的作曲家，從和聲、旋律到戲劇結構，《崔斯坦與伊索德》都成為西方音樂走向現代的重要轉捩點。

對里柏瑞契而言，《崔斯坦與伊索德》真正動人的地方，也不在於它是否提供一個答案，而在於音樂如何讓人持續追尋答案。

導演克里斯蒂安・雷特：舞臺不是再現故事，而是進入人物的內心

導演雷特從人物的內在世界出發，將《崔斯坦與伊索德》視為一場發生於心靈深處的戲劇，在他的舞臺語彙中，「白晝」與「黑夜」不只是時間的轉換，更象徵社會規範與內在欲望之間的拉扯，白晝代表責任、秩序與外在世界；黑夜則讓人物暫時卸下身份與束縛，回到最真實的自己。

因此，舞臺不以寫實的歷史場景為主要訴求，而是成為人物心理與潛意識的具象化，布蘭甘妮與伊索德、庫威納與崔斯坦之間，也形成彼此映照的關係，如同同一個靈魂不同面向的投射。

當代華格納重量級卡司齊聚，帶來聲音與情感的巨浪

要在舞台上完美演繹這場靈魂旅程，極其考驗演出者的實力，此次TSO邀請到的男女主角皆為當今樂壇的一時之選。

飾演崔斯坦的瑞典男高音麥可．維紐斯（Michael Weinius），曾於2008年榮獲國際華格納聲樂大賽首獎，並在柏林德意志歌劇院、巴黎歌劇院、蘇黎世歌劇院與維也納國家歌劇院等頂尖殿堂演出。近年他更以崔斯坦一角奠定其代表地位，被國際樂壇譽為當今重要的華格納男高音之一。

與之攜手演出的，是活躍於世界重要歌劇院舞台的亞美尼亞女高音莉安娜．哈魯圖尼揚（Lianna Haroutounian）。她曾於皇家歌劇院、紐約大都會歌劇院、維也納國立歌劇院、巴黎歌劇院及馬德里皇家歌劇院等舞台演出，上個樂季，她於比利時皇家歌劇院首度詮釋伊索德便驚豔四座，而在25/26樂季，她也於西班牙馬拉加塞萬提斯劇院開幕製作中，再次出演伊索德，征服了無數樂迷。

從「崔斯坦和弦」到〈愛之死〉，一場關於愛與生命的旅程

從開頭的「崔斯坦和弦」，到劇末伊索德的〈愛之死〉，一個象徵無法言說的渴望，一個承載愛情走向超越生死的力量。2026年9月，讓我們在音樂之中，體驗華格納筆下最深邃的情感巨浪，並追尋內心最深切的渴望。